A Guillermo Fornes, (Bilbao, 1964) siempre le ha gustado «buscar nuevos caminos en el arte», disfruta experimentando y reinterpretando formas de expresión ya establecidas. Es lo que ocurre, por ejemplo, con ‘Geria’, el proyecto que presentará mañana a las 19 horas en el Museu d’Art Contemporani d’Eivissa (MACE). Al escuchar el título, lo primero que viene a la cabeza es Lanzarote y el Valle de La Geria, en el Timanfaya, con ese paisaje tan particular repleto de hoyos circulares (las gerias) en cuyo centro se plantan las vides.
Es el terreno volcánico de la isla canaria el que escogió el artista plástico de ascendencia ibicenca para realizar en 2021 la acción efímera que es la base de ‘Geria’. Lo explica el propio Fornes, descendiente de la familia Puget (hijo de Guillermo Fornes Puget y nieto de Guillermina Puget) en una entrevista concedida a Diario de Ibiza dos días antes de la cita en el MACE. En el encuentro de este viernes se proyectarán primero, como introducción, los proyectos audiovisuales ‘Naked lunch’, en el que Fornes habla de la pintura expandida, y ‘Geria’. Después conversará con la directora del museo Elena Ruiz, sobre su obra.
¿Cómo nació ‘Geria’?
Fue Dehlia Hannah, curadora del Arken Museum (Copenhague), la que me propuso que hiciera algo para el proyecto ‘Rewilding the Museum’. El término rewilding (que significa la recuperación de la vida silvestre) tiene que ver con el renacer y está muy vinculado a la filosofía de la naturaleza así que le propuse hacer algo que fuera más allá de los proyectos museísticos. Quería llevar el museo al exterior y comunicar y crear debate con una acción efímera en la naturaleza. Los museos, en muchos casos, están demasiado anquilosados o presentan proyectos muy estándar. Mi intención es romper esa forma de trabajar y refrescar el concepto de proyecto museístico contemporáneo. Con el apoyo del Arken Museum y The Royal Danish Academy of Fine Arts, lo que hago en ‘Geria’ es una relectura del land art, llevando esta forma de expresión nacida en la década de los 60 a la plástica, en lugar de a la escultura, que es lo habitual, y haciendo en la naturaleza una acción efímera que sea como una ceremonia iniciática o un ritual. Lo de utilizar toda la fuerza de la naturaleza como si fuera una herramienta más de la plástica lo he hecho muchas otras veces, por ejemplo, con ‘Origen’ teñimos un río de azul con 400 kilos de pigmento transmitiendo esa poética del agua en movimiento.
Es lo que se llama pintura expandida...
Sí, mi trabajo va desde la escala mínima, que sería el lienzo, hasta el formato land art, expandiendo la superficie pero manteniendo el mismo concepto. En ‘Geria’ empleo la pólvora y el fuego en un paisaje volcánico, en otros casos, pinto el mar o el río, es decir, utilizo, para producir el mensaje, los cuatro grandes elementos de la naturaleza, agua, tierra, fuego y aire, que tienen mucha fuerza simbólica.
¿Cuál es el mensaje en el caso de ‘Geria’?
Lo que hago es replicar a gran escala esa sensación mística o espiritual de los rituales ancestrales del fuego mediante la fuerza simbólica del círculo. De lo que quiero hablar es de comunión con la naturaleza desde el punto de vista humano, de fraternidad, de volver a nuestros orígenes, ese sería un poco el mensaje. Por otra parte, lo que me interesa de esta acción efímera en la naturaleza es la combustión, la fuerza del círculo y lo sublime del paisaje. La búsqueda de lo sublime es muy importante para mí, bebo de las fuentes del Romanticismo del siglo XIX y de artistas como Turner, que buscaban la belleza en los grandes paisajes. La aspiración a lo sublime, por un lado, y el positivismo por otro, son esenciales en mi caso. Yo considero que el arte se tiene que sustentar en dos pilares: crear debate y transmitir energía positiva.
¿No le interesa la estética?
No, no es importante para mí. Nunca lo ha sido.
‘Geria’ no se limita a esta acción efímera en la naturaleza de la que hemos hablado...
En efecto. El proyecto, que se exhibió tanto en el Arken Museum como en ARCO este año, está compuesto por una obra audiovisual de la acción land art que recoge todo el proceso creativo y una serie de obras originales. Además, hay un libro de artista, que he realizado con Ediciones El Viso y que estará a la venta en el MACE. La editorial me contactó para proponerme el proyecto y yo le propuse trabajar sobre el concepto de ‘Geria’. Es una edición de 99 ejemplares, numerados y firmados por mí. Contiene obra original y gráfica junto a imágenes del proceso creativo de Pedro Vikingo y textos de Dehlia Hannah y del historiador y crítico de arte contemporáneo Dennys Matos. La obra original es la cubierta en caja, se llama ‘Epifanía’. Para hacerla he empleado pólvora y pigmento espolvoreado y fijado sobre el lino. Además, el libro incorpora un grabado de una de las obras gráficas de la serie ‘Geria’ con una matriz de hierro fundida y soldada al fuego. Cada grabado forma parte de una tirada corta y de alta calidad de 24 ejemplares. La estructura del libro es operística, tiene cuatro movimientos y diez actos. Y luego hay un último apartado en el que se muestran los trabajos en pintura de la serie ‘Geria’.
Hablando de cuestiones más generales, ¿el hecho de pertenecer a una saga de artistas ha marcado su destino?
Sí que es verdad que en mi familia hay un interés por la cultural y que la proximidad a ese ámbito lo que te da es una gran perspectiva. Pero tengo que decir que cuando le dije a mi padre que quería ser artista, aunque le encanta el arte, no le gustó la idea. Tienes que ser muy bueno para poder vivir de esto y aún siéndolo tienes que tener mucha suerte para poder mantener una familia. En mi caso esto es vocacional, desde que tengo uso de razón quería ser pintor y he tenido la gran suerte de poder desarrollar un trabajo que ha funcionado.
Quería ser pintor, pero antes de estudiar Bellas Artes , hizo Psicología...
Sí, porque creo que es importante el bagaje cultural. Mucha gente no se da cuenta de que el arte contemporáneo tiene una faceta intelectual muy importante. Es un trabajo más intelectual que técnico, así que hay que tener una preparación. Obviamente no puedes contar cosas si no tienes una aproximación al conocimiento. Yo leo mucho, me encanta la Historia y normalmente detrás de mis proyectos hay meses de trabajo intelectual hasta acotar el concepto. Luego, por descontado, tienes que saber expresar una emoción, un sentimiento, pero no es solamente eso.
Ha vivido en distintas ciudades del mundo, ¿cómo ha influido eso en su obra?
Ha influido muchísimo. El vivir fuera de España te da un punto de vista más abierto, generoso y empático con los demás. ¿Por qué? Porque aprendes que todo es muy relativo, lo que aquí es muy importante en otro país es una tontería. En mi caso, tengo el punto de vista asiático, porque he vivido mucho allí, el anglosajón y el español, la combinación de todo eso te da una perspectiva más amplia. Luego en el arte, como en otras profesiones, es muy importante el esfuerzo y la constancia, ser una persona seria, honesta, cumplidora y que se mantiene fiel a sus principios, porque en este mundo hay mucho vaivén, mucha moda. Ha habido épocas en las que la pintura no estaba de moda y yo he seguido pintando.
¿Cómo ve usted el panorama artístico español?
En España la inversión en arte representa un 1% en el mercado mundial, por lo tanto, el mercado es muy pequeño y, sin embargo, la producción es muy grande. Hay muchos artistas muy buenos.
¿En el caso de Ibiza?
Considero que en la isla se están haciendo las cosas bien, que vamos a mejor. Hay galerías muy interesantes como el proyecto de Guillermo Parra, el de la Nave, La Carpintería o la feria CAN impulsada por Sergio Sacho. Pienso que Ibiza está empezando a ponerse en el mapa de las propuestas galerísticas y de proyectos artísticos interesantes dentro de España, porque realmente sí que hay un mercado que podría ser importante y que antes no tenía propuestas.
