El dúo alemán Two Lanes: «Ibiza está cambiando y su escena musical es cada vez más versátil»

¿Qué significa para Two Lanes actuar en Ibiza, la meca de la música electrónica?

Rafa Schmid: Nunca hemos estado en Ibiza, ni de vacaciones ni actuando. Estamos muy emocionados, porque normalmente nuestra música no es el sonido típico de Ibiza, diría yo.

Leo Schmid: Ibiza suele asociarse con la música de club y nosotros estamos más en el mundo de los conciertos. Nos sentimos más en casa con nuestra música en ese contexto. Así que la isla quizás no es el primer lugar que asociamos con nuestra música, pero nos hace mucha ilusión ir por primera vez.

R. S.: También vemos que Ibiza está cambiando cada vez más y que llegan estilos de música más ambientales o más suaves, no solo sonidos de club. La música que se interpreta allí es cada vez más versátil.

Prueba de ello son proyectos como Suau Festival...

L. S.: Exacto. La impresión que tenemos es que este proyecto está más orientado a la experiencia y creo que el lugar escogido también tendrá un impacto en el formato, seguro.

Sí, sa Pedrera de Sant Antoni es un escenario muy especial, una antigua cantera que hace años albergó los festivales de la MTV.

R. S.: Sí, recibimos algo de información cuando nos contrataron y, por supuesto, miramos fotos de sa Pedrera. Parece un lugar muy especial, exactamente el tipo de sitio en el que imaginamos interpretar nuestra música.

-¿Cómo va a ser su primera actuación en Ibiza?

L. S.: Todavía estamos trabajando en ello, pero queremos presentar una gama de música que vaya desde momentos muy ambientales y muy centrados en el piano hasta momentos más energéticos. Queremos que haya todo un abanico de energías y atmósferas diferentes durante la actuación.

La parte visual tiene peso en sus montajes y en esta ocasión me imagino que también.

R. S.: Sí, sin duda. Siempre intentamos que la puesta en escena y la iluminación acompañen y refuercen la música. La experiencia no se construye solo desde el sonido, sino también a través de los distintos ambientes que crean las luces y los visuales.

Hablemos de los orígenes y la trayectoria individual de cada uno antes de que Two Lanes naciera en 2018.

L. S.: Venimos de un entorno muy musical. Nuestro padre es músico de jazz y nuestra madre también toca instrumentos, así que la música siempre estuvo presente. Yo empecé a tocar el piano de pequeño y, con el tiempo, fui desarrollando esa pasión por la música clásica. Durante la adolescencia estuve muy centrado en ese mundo: daba conciertos, practicaba mucho repertorio clásico y participaba en concursos. Luego empecé a estudiar música en la universidad, en Alemania, y más tarde terminé mis estudios en Nueva York, en The Juilliard School. Paralelamente, en algún momento, Rafa y yo empezamos a hacer música electrónica juntos, experimentando con distintos estilos. Sentíamos que ahí había algo. Pero fue después de terminar mis estudios, cuando me fui a Berlín, donde Rafa estaba viviendo en ese momento, cuando empezamos a hacer música electrónica juntos a tiempo completo.

R. S.: Yo también fui a clases de piano de niño y toqué la batería y el bajo eléctrico, así que para mí fue muy natural dedicarme a algo relacionado con este mundo. Pero siempre me sentí más atraído por la música electrónica. Me encantaban Daft Punk, Justice y ese tipo de sonido. En algún momento, siendo adolescente, empecé a experimentar con la producción y tuve mi primer programa para crear mis propios temas. Probaba sonidos y estructuras y, un día, Leo entró en mi habitación mientras yo estaba trabajando en ello. Tocó unos acordes en el teclado MIDI y ese fue, de alguna manera, el comienzo de nuestra colaboración.

¿Qué aporta cada uno al dúo?

R. S.: Creo que no hay unos límites muy claros sobre lo que aporta cada uno. No tenemos una rutina fija.

L. S.: Por supuesto, hay cosas en las que cada uno es bueno, pero si cada uno hace siempre lo mismo, corremos el riesgo de acabar desarrollando siempre las mismas ideas. Así que intentamos mezclar las cosas. A veces Rafa toca el piano y yo le escucho y me inspira, y también ocurre al revés. Intentamos estar activos en todos los frentes para no quedarnos nunca limitados a una sola cosa en el estudio.

¿Cómo definirían su sonido?

R. S.: A veces, es difícil definirlo porque los géneros se mezclan mucho. Leo, ¿cómo lo definirías tú?

L. S.: Nos sentimos atraídos por ese mundo neoclásico electrónico, pero obviamente es un campo muy amplio. A veces tenemos una pieza que es solo piano y, en el otro extremo, tenemos temas sin piano y solo con elementos electrónicos. Así que hay una gama de cosas. Quizá lo describiría como música emotiva e inmersiva, porque eso es lo que intentamos conseguir: un sonido que inspire algo. Pero ponerle una etiqueta es difícil. Podemos llamarlo música electrónica inmersiva o música neoclásica.

¿Qué tipo de cosas les inspiran a la hora de componer?

L. S.: Normalmente no hay una inspiración inmediata del tipo «veo algo en la ciudad o en la naturaleza y pienso: Esto me inspira y voy a hacer un tema a partir de esta experiencia». Creo que ves esas inspiraciones más de forma retrospectiva que cuando estás haciendo el tema, que es un proceso muy abstracto. Una canción puede estar inspirada por cosas muy pequeñas, desde una muestra de sonido a algo que escuchas de lo que hiciste el día anterior.

R. S.: Sí, creo que en el propio proceso de hacer música hay muchas inspiración. Nos reunimos en nuestro estudio y uno de nosotros tiene una idea en el piano o en el sintetizador. Entonces es como una reacción en cadena: Esa idea inicial despierta otra idea y tratamos de unir todos esos elementos diferentes.

«Uno de nuestros planes principales es desarrollar más el directo y llevar más músicos al escenario»

¿Qué factores tienen más en consideración en ese proceso?

L. S.: Cuando empezamos a tocar en directo, eso tuvo un impacto claro en nuestra forma de hacer música. Nos planteamos: «¿Cómo creamos algo que no solo se experimente escuchándolo sino que también se pueda interpretar en un escenario? ¿Cómo hacemos que sea interesante para nosotros tocar ese tema muchas veces durante los conciertos?». Además, pensamos en que el tema tenga potencial para ser interpretado en vivo, que se puedan cambiar partes y añadir cosas cuando lo tocamos. Así el material de partida siempre cambia cuando tocamos en directo. Queremos hacer las cosas más interesantes para el público y para nosotros.

¿Tienen millones de reproducciones en plataformas digitales y conciertos con entradas agotadas. ¿Esperaban esta gran acogida?

R. S.: Es algo que nunca nos planteamos realmente. Simplemente empezamos a hacer música en una habitación sin pensar en la repercusión que iba a tener. Eso vino después. Hacíamos música que nos hacía sentir bien o que nos parecía honesta. Por supuesto, estamos muy agradecidos y felices, pero no empezamos a hacer música por eso. Fue algo que llegó más tarde, como parte del proceso.

¿Cuáles son sus planes de futuro?

R. S.: Creo que uno de nuestros planes prioritarios es desarrollar más el directo y llevar a más músicos al escenario. Para el nuevo álbum hemos grabado buena parte con instrumentistas de cuerda, con violinistas y violonchelistas. La intención, de cara a finales de 2026 o quizás el año que viene, es tocar con ellos en directo en algunos conciertos y así crear una nueva experiencia. Nuestro principal objetivo es seguir así: poder trabajar en música todos los días, publicarla y tocarla en directo.

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